摄影作品主要通过线性构图和影调来表达形式美，而构图是摄影作品表现美的一种方式，对摄影构图进行全面而细致的研究就能够具体把握摄影作品中所展现的形式美。以下是小编整理，希望能够帮到大家。
光影对摄影构图的重要性
摄影离不开光，有光才有影，摄影就是用光影来作画的，是一门光影的艺术。光影可以诠释摄影师的摄影语言，更为重要的是能更好地表达情感内涵。一幅优秀的摄影作品就是将摄影艺术语言与情绪思想、情感内涵完美结合的产物，可见摄影中光影的运用无论是对作品的成败，还是对情感的表达都起着至关重要的作用。
因此，选择适当的光线是摄影创作不容忽视的第一步。顺光使拍摄对象受光面积大且均匀，阴影不易显现，主体描写相对平淡，质感和立体感贫乏。侧光可以使拍摄对象不平的表面呈现出明确的阴影，表现出被拍摄体的纹理、质感和较强的体积感。逆光能使拍摄对象具有剪影效果，轮廓边缘映出一道夺目的光线，有一种独特的美感。
不同的光线还会给人以不同的明度感受。高调画面简洁明朗，给人纯洁、优雅、明快、干净的感觉。相反低调画面浓重深沉，给人神秘、稳重、忧郁、含蓄的情感。而中间调画面给人一种恬静、素雅的感觉。不同色调会产生不同的视觉效果，各有其独特的魅力。
美国摄影家爱德华・韦斯顿一生创作了许多经典的摄影作品。在1927年，韦斯顿拍摄了一系列《*********》作品，这组作品线条油润、舒畅完美，初看酷似人体艺术。拍摄中韦斯顿使用小光圈，使螺壳的纹理细节表现得十分细腻，光影的合理布置令螺壳散发出迷人的光泽，黑色的背景，凸显了黑白分明的色彩格调，让画面变得干净大气，显示出了作品的高雅与深邃。美国西海岸洛勒斯半岛上那些历尽风雨的老杉树也是韦斯顿经常拍摄的对象。面对这些杉树，韦斯顿往往只取其局部，在光线的运用、角度的选择上非常细致精确，以致有的杉树看起来像一座屹立挺拔的雕塑，而有的又好似一股腾空而起的熊熊烈火，美丽得令人难以置信。韦斯顿的作品之所以能给人以超凡脱俗的感觉，都源于他对大自然的挚爱。
色彩对摄影构图的重要性
在人像摄影的色彩设计中，人们常常用“色彩和谐统―”来作为欣赏和评价人像作品的尺度。摄影家们常常利用统―的色彩来追求画画的和谐统一。在人像摄影中，那种“红衣、红帽、红背景”的人物肖像出现时，曾给入耳目一新之感。这种“―片红”也包括“―片黄”、“―片绿”等等，所构成的色彩统一是单一的色彩统一，或叫同类色彩的统一，统一的色彩，自然是会和谐的。
在人像摄影中，恰当地把具有强烈对比的两种或多种色彩组合在一起可以产生明快的对比和鲜明的统一色彩效果。我曾见过这样一幅摄影作品，作者用高远的蓝天与广阔的大海作为背景，衬托着一位身披黄丝巾的青春女孩，多情的海风吹动着她的秀发和丝巾，似飘似舞，既有青春的活力，又具有大海般的柔情，整个画面用大面积的蓝色凋和耀眼的金黄色块构成鲜明的对比，这里的黄色与蓝色是互补色，并列在一起形成了强烈的色彩对比。这幅作品正是运用互补色的对比完成画面构图，恰当运用了明亮饱和的黄色与蔚蓝色天空和大海交相辉映，使昂首的少女更具有青春活力，整个画面别具韵味，由此，我们可以说：反差强烈的对立色彩构成统―之后，其和谐程度远比单一色彩所构成的统一更有感染力，更具魅力。
对于人像摄影构图来说，色彩设计作为―种形式，它最根本的作用就是为塑造人物形象和表达作品主题服务。文学大师高尔基说：“一切美的东西都是十分朴素的，朴素就是美。”色彩是美丽的，但它应该是朴素的，作为人像摄影家，应充分地利用质朴的色彩去美化人们的生活。
摄影构图的内涵
构图有它自身的规律和方法，摄影者根据他们内在的敏感来进行构图，造型艺术是视觉的艺术，靠眼睛就能分辨出构图的好坏。构图在其品质上的特征，首先应当使观赏者不用去看作品标题，也无需介绍和注解，凭视觉直觉立刻可感受到作者的意图。作者不能靠文字达意，用标题说话，靠人、物、景和整个画面的结构去表现作者所要表达的感情和对生活的炽热的爱。
作品的主题思想，正是通过作者塑造的栩栩如生的具有鲜明个性的典型形象体现出来的，只有这样的作品，才能使观众产生如闻其声，如见其人，如临其境的真切感。
构图是确定并组织元素以产生和谐照片的过程。照片中的每个对象就是 构图中的元素。学习构图就像是学习一门语言，一旦你学会一门语言，它就 不再是你需要不停考试的东西，因为说话已经是下意识的行为，说什么才是 你关注的重点。我想摄影师、摄影爱好者、摄影发烧友，要努力的目标应该 是流畅地运用构图这门语言，去表达自己想表达的。
跟其他艺术不同的是，摄影在本质上是挑选的艺术。必须从现实世界中 挑选一处予以框定，并且在框定的区域中对主体材料进行组织和布局。而挑 选其实就是有意识地对画面进行编辑而不是被动地把一切都囊括其中。考虑 可以去除的主体，以简化和增强信息。当你的框架中所有的元素都起作用而 并非浪费时，你就成功了。
